KEXの関連企画として開催された「イヴォンヌ・レイナーを巡るパフォーマティヴ・エクシビジョン」（10月11～15日、京都芸術劇場 春秋座、企画：中島那奈子）は、レイナーの代表作にしてポストモダンダンスのもっとも議論される作品『Trio A』を2017年の京都で再構築するというものだ。全体はダンス・アーカイヴの概念に即して映像上映、資料展示、ショーイング、レクチャーで構成されている。ショーイングの出演者は年齢の幅のある、またダンスの出自の異なるダンサーが6名。まず神村恵と西岡樹里が同一の振付をカノンで踊り、次に能楽師の高林白牛口二と寺田みさこが「フェイス・トゥー」即ち、振付を踊る寺田の正面と常に向き合うように、袴姿の高林が動きを追う。高林は70代、前傾した構えで颯爽と動く。能楽師の出演は『Trio A』上演史上初めてだろう。舞踏の桂勘と独自の舞手であるボヴェ太郎がユニゾンで踊るところで70年代風のポップスが入り（これがグッとくる）、最後に先のダンサー達も加わり、順次去っていく。振付自体は映像で知る『Trio A』そのままで、技巧性や見せ場を排した日常的な語彙で綴られ、今日のコンテンポラリーダンスと地続きであると感じられた。一方、今回の6人の人選は異なる経験、出自などを含めた「多様性」の価値観を映し出しており、「平等」を掲げた60年代当時とはダンスにおけるデモクラシーの内容も変遷を見せている。ティーチングを介して振付を受けたダンサー達は口を揃えて「振り写しは厳密を極めた」と語っている。これは同時上演された『Chair/Pillow』の出演者たちも同様で、ダンスの継承の議論にとって興味深いところだ。身体の位置、角度、タイミング等が精密に指示され、フレーズを作らず、フラットに踊ることを、振付が求めている。継承されるもの、変化するもの、新たに発見されるものについて多くを考えさせられる。

イヴォンヌ・レイナーが『Trio A』の一点からダンスを思考し続けているのに対し、トリシャ・ブラウンは『Accumulation』で示したミニマル／ミニマムな思考をシアトリカルに展開した。

昨年春のKYOTO EXPERIMENTで伝説が解かれるように60年代の作品の上演を果たしたトリシャ・ブラウン・ダンスカンパニーが、その後のブラウン逝去を挟み、80年代以降の３つの劇場作品『Anthology: Trisha Brown』をもって再度登場した（11月1，2日、京都府立文化芸術会館 ホール）。ブラウンの劇場作品については議論のあるところで、ジャドソンでの実験精神を置き去りにしているのではとの指摘もある。だが昨年の初期作品群に思考の原型を見た我々の眼は、今回、ミニマルに分節された身体がいかにムーブメントを発展させていくのかを、驚きと納得をもってみつめたのではないだろうか。

　　『Opal Loop／Cloud Installation #72503』(1980)は中谷芙二子の霧の彫刻と共同で、浮遊するもの、不確かなものの中にある物理的な要素を可視化する。4人のダンサーは軽いホップと振り子のような手足のスイングを繰り返しながら、互いの位置関係を複雑に変えていく。身体の部位はバラバラに動くが、重力と遠心力と運動の慣性により全体にゆったりとした抑揚が生じ、振付と配置の幾何学的なパターンと、自然物の生成のオーガニックな関係性が浮かび上がる。音楽はなく、衣装のクールな色、霧、照明が抽象度の高い空間を作り出している。

　　『Groove and Coutermove』（2000）は音楽にカジュアルなジャズやポップスを使った快活な作品で、8人のダンサーがカラフルな衣装で踊る。四肢の長さや歩幅を尺度に動きを精緻に構成し、集団が離合を繰り返し、絶えずシーンが変化する様子は、我々の知るアメリカン・ダンスそのものだ。抽象的で少し退屈にも思えたアメリカのポストモダンダンスだが、ミニマリズムを経て、還元されたムーブメントから展開したものであることがよく理解され、大変興味深く見た。歴史と現在の接続を見るような体験だった。

　　『L’ Amour au theatre』(2009)、音楽はジャン＝フィリップ・ラモーの組曲「イポリートとアリシ」。曲ごとに振付のモチーフは異なるが、すべてコンタクトから起こした動き。デュオ、トリオ、カルテット、クインテットと編成を変え、それぞれのタスクから新鮮な語彙が生み出される。古典音楽が紡ぐ時間軸の全てを振付で埋めていこうとするような、尽きせぬ創造性を感じさせた。ここから「もはや踊るべきものはない」といったニヒリズムへは向かいようもない。ポストモダンダンスへの世界的な関心はヌーベル・ダンスが終息しノン・ダンスが現れ始めた時期に重なるという。ダンス史の絶えざる更新の中で、アメリカのポストモダンダンスが見直されつつある。

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ジャドソン教会派が活動を始めた60年代、日本では舞踏が生まれた。マルセロ・エヴェリン／Demolition Incorporada『病める舞』は土方巽のテキスト『病める舞姫』に想を得た新作だ（11月3，4日、ロームシアター京都 サウスホール）。舞踏の伝播はあらゆる「欲望」と「誤解」とともにあるといわれる。土方舞踏とその革新的な思想に強く魅了されたエヴェリンは、日本でリサーチを重ね、結果、土方の読解でも再構築でもない、応答としての舞踏のパースペクティブを、自らの身体パフォーマンスの文脈に引き寄せて提示する。ソデを取り払った舞台に点在する10人のパフォーマーに、白塗りやガニ股は見られない。汚辱にまみれた身体の反転としてのヒロイックな舞踏ではなく、「外部」に放逐された身体の荒涼とした風景が現れている。過去2回のKYOTO EXPERIMENTでエヴェリンが示してきた、近代の規格の外にある想像力としての野生が、土方舞踏の反近代性と遠く呼応している。パフォーマーらは局部を晒し、終盤には『禁色』に言及した男性２人の場面もある。だがこれまでのエヴェリンに見た身体の衝撃からすると、抑制された印象だ。過去2回のように劇場以外の場所で見てみたい気もするが、この舞台の寂寞とした広さの中でこそ、文字通り土方への距離と、飛び火した舞踏の予測不能の受容の可能性が開かれていたのかもしれない。

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最後に、ダンスの未来に向けたプログラムとしてRAM CAMP in Kyoto 2017に触れよう。山口情報芸術センター［YCAM］が2010年から開発しているRAM（Reactor for Awareness in Motion）は、身体とデジタル環境の相互的なリアクションによって、知覚と運動の拡張されたフェイズを開こうとするもので、ここから新たなダンス言語の開発の可能性が探られる。KYOTO EXPERIMENTの関連企画として設けられた5日間のキャンプでは、日本、中国、韓国のダンサー・振付家とプログラマーがRAMのツールを使用したダンスの創作を試み、その公開プレゼンテーションが行われた（10月29日、ロームシアター京都 ノースホール）。実際のプレゼンではダンサーの動きと、これに対応するグラフィックの映像を同時に見る。相関の見えづらいチームもあったが、日中韓の若いアーティストたちが協働し、3か国語＋英語が飛び交う現場の熱が感じられる。目指す先は開発された新しい言語によるダンスを、映像なしで鑑賞することだろう。そのときダンスはこれまでにないフェイズで展開しているはずだ。企画趣旨を語るプログラム・ディレクターの言葉には現在のダンスへの危機感が滲み出ていた。即ち、普段話している言語をもとにダンスを組み立てていくことには限界があるのではと。今の言葉では分化できない、意識の向こうにあるものを、このプロジェクトが引き出してくれるかもしれない。